【鋼琴完成之時，鋼琴家的時代開始了】

●樂器之王──鋼琴

鋼琴的音域從十九世紀初的五個半八度，擴展到十九世紀中期的六個半八度至七個八度（七十八至八十五鍵）。一八八〇年前後甚至出現了與現代鋼琴相同的八十八鍵鋼琴。這個樂器也在十九世紀之後開始逐步普及。

這時鋼琴的構造和配置已經幾乎與現代鋼琴一致。低音琴弦採用粗的纏弦，而為了承受住變大的張力，鑄鐵框架也成了鋼琴的標準配置。鋼琴擁有可以匹敵管弦樂的廣闊音域，以及高分貝的音量，改變按鍵觸感和踏板的操作，也讓音色得以擁有微妙變化。能滿足萬千要求的鋼琴很快就被冠上「樂器之王」的稱號。

●鋼琴家這一職業的誕生

鋼琴是如何在大鍵琴和小鍵琴等各式鍵盤樂器中生存下來的呢？

這當中最大的理由，就是鋼琴擁有幾乎全能的表現力，只要演奏者一人就能演繹出飽滿的樂聲。過去演奏會上的核心節目是鋼琴家演奏自己創作的作品，除此之外，還會安排其他作曲家和鋼琴以外的樂器登台表演，整體節目安排得非常豐富多彩。而改變這種演奏會模式的人正是李斯特。

一八四〇年，李斯特在倫敦進行了史上首場只有他一位鋼琴家演奏的「獨奏會」。那場獨奏會的曲目，有他自己創作的作品，以及貝多芬和舒伯特的作品。

李斯特帶著從J.S.巴哈到與他同時代作曲家的保留曲目，巡迴歐洲各地。自此不再是作曲家兼任演奏家，鋼琴家這一獨立的職業誕生了。

在演奏會遍地開花的同時，各地的音樂學院也頻繁進行著專業的鋼琴教育。隨著鋼琴教育體制的完善，二十世紀的鋼琴家流派也應運而生。

【來自法國的鋼琴教材，佈爾格彌勒與哈農】

●大受歡迎的簡易鋼琴教材

對於十九世紀的沙龍和富裕家庭來說，鋼琴已成為家家戶戶必備的樂器。在蕭邦和李斯特等當紅的鋼琴家展現他們華麗技巧的同時，讓一般的鋼琴愛好者能輕鬆愉悅彈奏鋼琴的簡易教材和鋼琴曲集也不斷出版面世。

●身在巴黎的異國作曲家的練習曲

身為鋼琴家、作曲家的史蒂芬・海勒（Stephen Heller, 1813-1888）生於匈牙利的布達佩斯。因為得到白遼士、蕭邦和李斯特等人的賞識，因而活躍於巴黎樂壇，當時還被評價為與蕭邦齊名。海勒的作品編號超過一百五十，其中的《二十五首練習曲》、《三十首練習曲》、《節奏與表現的練習曲》等到了現代仍在出版發行。

生於德國雷根斯堡的弗里德里希・佈爾格彌勒（Friedrich Burgmüller）*在二十六歲左右來到巴黎，以沙龍的鋼琴曲博得極高人氣。他也在巴黎樂壇大展身手，與李斯特和海勒有過交流。他的作品中編號一百之後的幾乎都是鋼琴曲，以《二十五首練習曲》為首，《十八首練習曲》和《十二首練習曲》都是長期熱銷的樂譜。

●說到法國鋼琴教材，就不能不提…

生於巴黎的作曲家菲利克斯・勒・庫貝（Félix Le Couppey, 1811-1887）最初是以國家高等音樂學院教授的身分在樂界嶄露頭角。他著有大量的鋼琴教材，《鋼琴練習ABC》（Le Couppey OP. 17 L' ABC）等初級教材在各國長期以來都保有熱度。

夏爾-路易・哈農（Charles-Louis Hanon, 1819-1900）生於比利時，是濱海布洛涅（Boulogne-sur-Mer）的音樂教師，因為《全譯哈農鋼琴教本》（Hanon: The Virtuoso Pianist）這一作品聲名遠揚。平常我們提到的「哈農」，就是鋼琴指法練習的代名詞。

作為法國音樂教育者而聞名於世的埃內斯特・馮・德・魏爾德（Ernest van de Velde, 1862-1951）留下了大量的鋼琴教科書和視唱聽教材。他於一八九九年在巴黎創立出版社後出版的《梅陶德‧露絲鋼琴教本》（Méthode Rose）一直深受鋼琴課堂重視。

【小倉貴久子的鋼琴講座7──孟德爾頌的魅力】

廣為人知的孟德爾頌《第一號鋼琴三重奏》（Piano Trio No. 1 in D minor, Op. 49）是鋼琴三重奏音樂中的瑰寶。第一樂章從大提琴的浪漫主義哀愁旋律開始。鋼琴運用弱音的切分法節奏，栩栩如生描繪出波濤湧動的情景。孟德爾頌在第一樂章中寫下「Molto Allegro agitato M.M.=80」，這是他希望達到的速度。如果用現在的樂器演奏，會導致琴音變得混沌，因此演奏者有時也會無視他指定的速度標記。

此曲創作的年代是一八三九年。這個時代的鋼琴，是將鑄造而成的金屬框架放入不太耐久的木質盒中，使用比現代鋼琴小得多的張力拉著鐵質琴弦，並以包裹鹿皮的琴槌敲擊琴弦。它的聲音清晰、衰減迅速，而且擁有典型木製樂器的音色和音量。鋼琴與弦樂器的融合，讓我們切實體會到鋼琴其實是弦樂器的夥伴。如果演奏這個時代的鋼琴、張著腸弦的小提琴以及沒有尾針的大提琴，「M.M.=80」的速度指示也就有了說服力，讓人會發出「確實應該這樣做」的感慨。鋼琴部分的音很多，在現代鋼琴上演奏起伏音型的經過句和力量非常強的部分時，需要在弱化鋼琴琴音上費心，尤其注意不要讓鋼琴音變成吞噬了小提琴和大提琴琴音的怪物。那個時期的鋼琴，即便是三種樂器一同進行不分上下的激烈演奏，也能自然地找到平衡，就算不去弱化音樂上的表現，也能描繪出戲劇性的效果，弦樂器演奏者也無需在意自己演奏的音量會輸給鋼琴，可集中注意力去表現音樂。進而也就演奏出足以撼動心靈且洋溢熱情的音樂。

第三樂章詼諧曲中標記著「M.M.=120」。用這麼快的速度演奏，可以淋漓盡致地表現曲中如妖精舞動時的輕快感，以及如萬花筒般閃爍、不斷變化卻又稍縱即逝的華美感。由於那時的鋼琴按壓觸感非常輕，運用那種似乎觸碰到、又像是沒碰到般的輕柔感，讓彷彿一碰即散的演奏表現也變得可能，偶爾出現的實強音，也能表現成彷彿閃閃發光的流星。

《第一號鋼琴三重奏》如同莫札特音樂般的輕柔，自然流露出極其迷人的旋律，如同踏入魔法世界的特別幻想，從與巴洛克音樂的共鳴中衍生出深刻的精神性。鋼琴曲、室內樂曲、歌曲、交響曲、宗教歌曲等，孟德爾頌的音樂涉及方方面面。他原本應該是一位更獲世人注意的作曲家，只能說大多數人並未理解他音樂中的本質。而現代的演奏方式，可能也是導致我們遠離那本質的原因之一吧。

要不要用輕快又溫柔的感性再次接觸孟德爾頌的音樂呢？一種從未有過的非凡體驗正等著你。

【直立式鋼琴的出現，推動鋼琴飛躍式地普及】

●金字塔形、櫃式、長頸式鋼琴

隨著機械裝置不斷發展，鋼琴也變得愈加大型，與此同時，也有人不斷嘗試製造不受家中放置場所限制、體積小巧的鋼琴，十八世紀下半葉人氣爆棚的四角桌型方形鋼琴就是其中之一。現代直立式鋼琴的原型在十九世紀初登場，經過各式改良之後得以普及。一八五一年，英國的直立式鋼琴年產量是平台鋼琴的十四倍，將近二萬架，價格約是平台鋼琴的三分之一。

把鍵盤樂器的外殼直立起來、在垂直方向拉琴弦這樣的想法，早已有之──十五世紀末，大鍵琴中有一種稱為縱型大鍵琴的樂器（現存最古老的大鍵琴之一）。將這個想法運用於鋼琴，也就衍生出了各種外觀上的變化，其中有琴盒左右對稱、斜向拉著琴弦的金字塔形鋼琴，將平台鋼琴的音板放入四角形櫃子中的櫃式鋼琴，以及樂器上方呈半圓形的長頸式鋼琴等。

●不高的直立式鋼琴

這些鋼琴有些高度甚至高達二公尺以上，因而不太穩固。因此，人們開始在琴弦張拉方式上花功夫，提出了製造高度較低的鋼琴的方案。從最早期的例子來看，有從英國移居美國的發明家約翰・霍金斯（John A.Hawkins）於一八〇〇年取得的「portable grand」（便攜式鋼琴）的專利；還有倫敦的羅伯特・沃納姆（Robert Wornum）在一八一二年左右製作、高約一公尺的直立式鋼琴。巴黎的樂器製作者暨發明家帕普，在一八二八年取得了交叉張拉低音部琴弦的「pianino」（直立式鋼琴）的專利。

平台鋼琴中的琴槌是由下向上敲擊琴弦，敲擊之後，琴槌可藉重力自然落回原本位置，然而直立式鋼琴是橫向敲擊琴弦，為了讓琴槌回到原位，就需要利用彈簧的張合動作。由於敲擊琴弦的構造不同，音色和按鍵觸感也不一樣，這也是直立式鋼琴的特色所在。蕭邦在日常彈奏中使用普萊耶爾的直立式鋼琴；對德布西而言，比起平台鋼琴，他還更喜歡直立式鋼琴。

【飄揚著維也納氣息的貝森朵夫鋼琴】

●李斯特也彈不壞的鋼琴

出身維也納家具工匠家庭的伊格納茨・貝森朵夫（Ignaz Bösendorfer, 1796-1859），十九歲時成了製琴名家約瑟夫・布羅德曼（Joseph Brodmann）的弟子，成為一名優秀的樂器工匠。他在一八二八年繼承了師父的工作室，並在貝多芬離世的隔年開設了自己的工坊。一八三九年，奧地利皇帝授予他「宮廷及議事會鋼琴專用製造者」的稱號。一八五九年，他的兒子路德維希・貝森朵夫（Ludwig Bösendorfer）繼承公司，繼續生產維也納式鋼琴。

李斯特與貝森朵夫的淵源特別深，他曾以顧問的身分參與貝森朵夫鋼琴的製造。如果是用李斯特那種精力充沛的演奏方式，大部分鋼琴都撐不過一個晚上的演奏。然而貝森朵夫鋼琴，即使採用維也納式纖細的擊弦機結構，也承受得了來自李斯特的強勁觸鍵。

一八七二年設立的貝森朵夫音樂廳成了當時維也納最好的音樂廳，其落成儀式還是由漢斯・馮・畢羅主持的。該場地直到一九一三年關閉之前，布拉姆斯、李斯特、愛德華・葛利格（Edvard Grieg）等知名音樂家都曾在此演出。

●九十七鍵的帝王琴登場

貝森朵夫在二十世紀初也開始製造具有英式擊弦機的鋼琴，隨後不再生產維也納式鋼琴。「透過琴箱發聲」的貝森朵夫鋼琴，借助獨特的音板設計，衍生出具備清澈音色、美妙弱音效果、柔和樂聲的「維也納音色」，使得很多鋼琴家開始喜歡演奏這種鋼琴。

貝森朵夫一方面守護著維也納古老且優秀的傳統，一方面又推出具有革新意義的實驗品。對比一般的現代鋼琴，低音區域擴展的共計九十七鍵八個八度的「Imperial」帝王琴就是其中之一。這款鋼琴是應義大利作曲家暨鋼琴家費魯喬・布梭尼（Ferruccio Busoni）的要求開發出來的，比普通鋼琴多出的琴鍵都變成黑色。這種擴展音域的運用實例，就出現在巴爾托克和伊果・史特拉汶斯基（Igor Stravinsky）等人的作品中。